Si eres un niño o niña de los 90s, quizá recuerdes, toda una época de increíble diversidad musical.
A medida que las bandas se enfrentaban a una presión cada vez mayor para hacer algo diferente para mantenerse ‘relevantes’, los géneros comenzaron a diversificarse. Mientras que la música más pesada de los años 80s consistía principalmente en rock and roll clásico y punk, en los 90s el grunge, el rock alternativo, el industrial y el metal pasaron a primer plano.
La tendencia hacia lo ‘oscuro y lúgubre’ que comenzó en los años 80s con bandas de rock gótico como Depeche Mode, Joy Division y Sisters Of Mercy, en los 90s dió un giro más dramático con el auge del metal industrial más ‘extremo’, con artistas como Marilyn Manson y Nine Inch Nails llegando a escena.
Sin embargo, mientras que en los años 80s, el rock, el punk y el metal habían sido en gran parte una subcultura construida sobre sellos independientes apoyados por fanáticos acérrimos, en los años 90s, la música más pesada se produjo y consumió en una escala mucho más amplia.
El rock y el heavy metal se habían convertido en un gran negocio y ya no se consideraba simplemente como “música para adolescentes rebeldes”. El rock y el metal obtuvieron un cambio de imagen nuevo, sofisticado y actualizado, ya que los sellos discográficos los adquirieron y los pulieron para convertirlos en algo más “consumible”.
Al mismo tiempo, la música pop y experimental también estaba en auge, con el electro aún presente en la escena desde los años 80s, y las fiestas raves clandestinas significaban un gran negocio.
En este punto, el rap y el hip-hop comenzaron a volverse más populares y se convirtieron en el género distintivo que conocemos hoy, con artistas como Snoop Dogg y Jay Z convirtiéndose en figuras icónicas de celebridades.
El reggae y el R&B también continuaron siendo populares en esta era, y los géneros se fusionaron rápidamente para expandirse a mundos musicales nuevos y fascinantes; desde electro-swing hasta ska, había algo para todos.
El soul despegó especialmente en los años 90s con la superestrella del soul Whitney Houston, quien rápidamente se convirtió en una de las artistas musicales más vendidas de todos los tiempos, vendiendo más de 200 millones de discos en todo el mundo.
Entonces, ¿qué música sigue inspirándonos hoy? Refresquemos nuestros recuerdos repasando algunos de los artistas que mejor han envejecido en los últimos 30 años.

Tracy Chapman

Tracy Chapman es instantáneamente reconocible como una de las cantantes políticas más talentosas de nuestro tiempo.
La cantautora y activista por los derechos de los negros y LGBTQIA+ Chapman tiene una calidad clásicamente simple, pero profundamente expresiva, en su voz y letras, y tiene un talento excepcional para crear música de blues memorable pero significativa que se relaciona con su activismo político.
Talkin’ About A Revolution, en particular, se ha convertido en un himno moderno para el activismo negro y LGBTQIA+, y ella sigue estando estrechamente alineada con esas causas políticas, al mismo tiempo que se ofrece como voluntaria para Amnistía Internacional y AIDS/Lifecycle.
El público conoce una cantidad limitada sobre la vida privada de Chapman, y ella siempre ha sido algo así como un recluso.
Su relación con Alice Walker, autora de la novela Black LGBTQIA+ The Color Purple, se mantuvo en secreto durante la mayor parte de su carrera, y Chapman prefirió llamar la atención sobre su causa en lugar de sobre sí misma.
La música de Tracy Chapman fue sin duda influyente, pero no siempre por elección propia. En 2018, Chapman demandó a Nikki Minaj por violar los derechos de autor de Baby Can I Hold You en su canción Sorry, eventualmente recibiendo $ 450,000.

Björk

Una mujer que realmente pone el arte en artista. La cantante, compositora e intérprete visual islandesa Björk ha derribado constantemente las barreras creativas y culturales en su música.
A diferencia de algunas de las bandas más pesadas de los 90s, el don de la música de Björk era hacer pensar sin ser deprimente, y tenía la sabiduría de siglos mientras se miraba a través de los ojos de un niño.
Su música a lo largo de los años 90s y más allá fue memorable, peculiar y original, jugando con las dicotomías de tecnología versus naturaleza y guerra versus paz, para crear música compleja llena de profundidad y sonidos experimentales.
Björk jugó un papel decisivo en el uso de una variedad de sonidos de culturas de todo el mundo, con influencias de su propia cultura islandesa, así como elementos de música occidentalizada y estilos tribales de percusión.
Mientras se recuperaba la feminidad en los años 90s, con el auge de las bandas abiertamente feministas ‘Riot Grrl’, la música de Björk quizás se adelantó a su tiempo en el sentido de que rechazaba los estereotipos de lo que era ser masculino o femenino.
Canciones como ‘Venus As A Boy’ cambiaron la narrativa sobre la masculinidad tradicional al rechazar los ideales convencionales de ‘fuerza’ o ‘dureza’ para enfatizar las cualidades de ternura y amor desinteresado en los hombres.
Su enfoque de la religión es igualmente reflexivo, y muchas de sus canciones, incluidas Human Behavior y Earth Intruders, resaltan sus pensamientos filosóficos sobre la sociedad humana. Si bien algunos inicialmente parecen críticos con el impacto de los humanos en la tierra, la compleja visión de la vida de Björk captura las dos caras de la moneda.
En The Modern Things, describe cómo “todas las cosas modernas… siempre han existido, han estado esperando en una montaña”. Tal vez una sugerencia de que la naturaleza humana es tan natural como la naturaleza misma.

Nirvana

Es difícil siquiera pensar en los años 90s sin pensar inmediatamente en Nirvana y su trágico líder, Kurt Cobain.
La música de Nirvana era una mezcla compleja y contradictoria de nihilismo deprimente y activismo social apasionado, y esto resumía las actitudes sociales de la generación más joven de la época.
El tema típico de Nirvana a menudo era oscuro, con varias canciones sobre la adicción a las drogas, la violencia, la misoginia, el racismo y la homofobia, pero en ningún momento se tocaron estos temas para impactar.
Las canciones de la banda reflejaron de cerca las actitudes sociales de Cobain y su creencia en crear un mundo mejor que salió a la luz cuando se publicaron sus diarios después de su muerte en 1994. Quizá esto hace que Nirvana sea aún más relevante en la era actual de #MeToo y #BlackLivesMatter.
Nirvana creó un sonido, y era un sonido salvaje, crudo y gutural, que llegó a definir el género de la música grunge. Combinando el “refinamiento” de la música comercial con la pasión sin filtro del punk, el grunge atraía a una juventud que había sido privada de sus derechos y suprimida.
Muchas bandas de rock ‘más atrevidas’ intentaron recrear el sonido ‘Nirvana’, incluidos Weezer, Oasis y Foo Fighters, el último de los cuales incluso se comprometió lo suficiente como para tocar en volúmenes que literalmente hizo temblar la tierra – pero pocos habían sido verdaderamente innovadores en los temas que abordaba su música.

Nirvana no tuvo miedo de abordar temas difíciles, de derramar su corazón en el escenario y de mantenerse fiel a su música y su moral.