1968 ⋆ Rockeadas

Cuando Alice Cooper conoce a Frank Zappa el Shock Rock cambió para siempre

Gabriela Cepeda — Sat, 19 Aug 2023 18:42:58 +0000

Con una banda real en su lugar, por fin podrían comenzar a hacer algo de música. La banda cambió su nombre varias veces, primero fueron los Earwigs, luego los Spiders, luego los Nazz. Finalmente, en 1968, eligieron el nombre público ‘The Alice Cooper Band’. Tres años después, Vincent cambió legalmente su nombre por el de Alice Cooper. Algunos dicen que el nombre proviene de una sesión de tablero Ouija, pero el propio Cooper dice que el nombre surgió de la nada, no de los fantasmas del otro lado. Se supone que invoca la imagen de una dulce niña sosteniendo un hacha detrás de ella. ¡Lo hace! Independientemente del origen del nombre, ¡fue un cambio de carrera excelente tanto para Alice como para el resto del grupo!
No pasó mucho tiempo después de que la banda y el nombre de Alice cambiaran cuando Frank Zappa los encontró. Zappa estaba buscando actos musicales extraños para agregar a su nuevo esfuerzo discográfico, Straight Records. Alice Cooper seguramente era lo suficientemente extraño y Zappa los contrató para un contrato de tres discos. El primer lanzamiento, ‘Pretties For You’, fue todo menos un fracaso, solo alcanzó el puesto 193 durante una semana en las listas estadounidenses. Sin embargo, continuaron produciendo su propia marca demente de rock ‘n roll.
Cooper tuvo un gran impacto en la prensa durante un espectáculo en la actuación Toronto Rock and Roll Revival en 1969. Dice Alice, un pollo subió inesperadamente al escenario durante su actuación. Arrancó al pollo, asumiendo que podía volar, y lo arrojó a la multitud. El ave aterrizó en el regazo de personas discapacitadas en sillas de ruedas sentadas al frente. Según todos los informes, estos fanáticos desplumaron al pobre pájaro en pedazos. La prensa, sin embargo, dijo que Cooper mordió la cabeza y bebió la sangre del pájaro. Alice, aún entonces, refutó las acusaciones, diciendo que todo fue un extraño accidente. Sin embargo, los rumores no fueron sofocados y el asunto se convirtió en el tema de conversación de la industria de la música.
Cooper no se parecía en nada a las bandas hippies de pelo largo y vaqueros de la época. Estos muchachos se vistieron con trajes ceñidos de lentejuelas diferentes a todo lo que se había visto antes. Su espectáculo fue oscuro y amenazante, incluyendo batallas simuladas dramáticas y métodos de tortura gótica. Al final del espectáculo, Alice sería torturada por sus formas dementes al ser ejecutada. Al principio, esto se hizo a través de la silla eléctrica, luego se convirtió en ahorcamiento y luego en la guillotina. A lo largo de los años 70, Alice ganó más y más crédito, tanto de los fanáticos como de la industria de la música.
A mediados de los 70, Cooper se había decidido a seguir una carrera en solitario. La decisión tenía sentido, pero su fuerte borrachera estaba empezando a afectar su rendimiento. Se registró en el Sanatorio de Nueva York para recibir tratamiento. Su tiempo allí fue la creación del álbum de 1978 ‘From The Inside’. Los primeros años de la década de 1980 resultaron ser menos que productivos para Alice. Aunque lanzó varios álbumes, ninguno alcanzó el éxito de la década de 1970.
Su adicción al alcohol también estaba pasando factura y una vez más fue ingresado para recibir tratamiento. Durante casi un año, Cooper se mantuvo alejado de los reflectores. Concentró sus atenciones más bien en ser un padre a tiempo completo y trabajar en su juego de golf. A mediados de los 80, Cooper estaba limpio, sobrio y listo para empezar a rockear de nuevo. Su álbum de 1986, ‘Constrictor’, generó una gira apropiadamente llamada ‘The Nightmare Returns’. La última etapa de la gira se filmó en Detroit a fines de octubre e incluso, hasta el día de hoy, se considera la película definitiva de Alice Cooper. A la prensa de música rock le encantó el álbum, los sencillos y los espectáculos en el escenario. Cooper estaba de regreso en toda su gloria, alimentando a los fanáticos con una visión salvaje y enrevesada de nuestro mundo como solo él puede hacerlo.
La estatura icónica de Cooper aumentó a lo largo de los 90 entre los fanáticos y otras bandas. Ha trabajado con varios músicos de nueva generación como Guns N’ Roses e Insane Clown Posse. Además, hizo cameos en ‘Freddy’s Dead The Final Nightmare’ y ‘Wayne’s World’. A medida que avanzaba el nuevo siglo, Cooper no disminuyó la velocidad en absoluto. En 2000, Alice lanzó ‘Brutal Planet’, que fue un regreso al estilo de rock metal de Alice. Se inspiró en la brutalidad del mundo moderno y presentaba una sensación de rock industrial crudo. Fue un éxito total y abrió a Alice a toda una nueva generación de fans.
En 2003, se lanzó el álbum aclamado por la crítica, ‘The Eyes Of Alice Cooper’. La gira que siguió fue un gran cambio con respecto a la teatralidad de Cooper del pasado. La gira ‘Bare Bones’ presentó un estilo de actuación menos orquestado, centrándose más bien en la música. El resultado es que las canciones más antiguas de Cooper finalmente se realizaron por su singularidad. Alice siguió con este estilo para su lanzamiento de estudio número 24 en 2005, ‘Dirty Diamonds’.
En 2004, ‘Nights With Alice Cooper’, el programa de radio de Alice comenzó a emitirse. Cooper ofrece charlas con grandes estrellas del rock and roll y la oportunidad de escuchar melodías extrañas de grupos famosos. También comparte anécdotas de su larga carrera y ofrece su inigualable gusto por el humor en el programa.

¿Se relajará este rockero? No parece que vaya a suceder pronto. A pesar de cumplir 75 años este año, Alice es hasta el día de hoy una de los rockeros más fuertes y talentosos que existen.

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The Beatles | The White Album (1968)

Gabriela Cepeda — Fri, 04 Dec 2020 21:29:33 +0000

Atrás quedaron los perfectos ruidos pop de ayer y de antaño. Atrás quedaron los sonidos cortantes que solo los perros podían hacer. Hear Gone era una especie de acreditación y reconocimiento musical (este no era un álbum para estudiantes de secundaria). Esta era una banda lanzando todo lo que tenían de las bóvedas en su álbum más largo. Hubo quienes lo odiaron (el biógrafo Philip Norman y el productor George Martin) y hubo quienes pensaron que era el mejor trabajo de las cuatro piezas (John Lennon ciertamente lo pensó). Y de cualquier forma que se pueda escuchar, sigue siendo una escucha fascinante, que suena fresca y provocativa en la forma en que su predecesor ha permanecido en un museo de artefactos de finales de los sesenta.

Con canciones que van desde lo magnífico (‘Mother Nature’s Son’, ‘While My Guitar Gently Weeps’ y ‘Happiness Is A Warm Gun’), cerebral (‘Long Long Long’, ‘Goodnight’, ‘BlackBird’), orientado al pop ( ‘Martha, My Dear’, ‘I Will’), angustiado (‘Yer Blues’, ‘Helter Skelter’), cómico (‘Rocky Racoon’, ‘Piggies’), gloriosamente irónico (‘Glass Onion’, ‘Sexy Sadie ‘,’ Back In The USSR ‘) deliciosamente descartables (‘ Wild Honey Pie ‘,’ Birthday ‘,), inconexas (‘ I’m So Tired ‘,’ Cry Baby Cry ‘) así como algunas, francamente, vergonzosas (‘Savoy Truffle’, ‘Obla Di-Obla Da’, ‘The Continuing Story of Bungalow Bill’, ‘Revolution 1’ y ‘9’), los dos discos llenos de copiosas cantidades de música. Donde ‘Physical Graffiti’, ‘London Calling’ y ‘Exile On Main Street’ demostraron ser el cenit de sus respectivos autores, este fue un álbum que mostró la amplitud, brillantez y defectos de los escritos de Harrison, Lennon y McCartney, con verrugas y todo. Incluso Ringo Starr contribuyó con su primera canción, ¡pero incluso él debe haber sabido que lo estaban complaciendo con ‘Don’t Pass Me By’! (Su siguiente contribución, ‘Octopus’s Garden’, fue una gran mejora).

Si alguna vez hubo un álbum de los Beatles que mereciera una biografía cinematográfica (y sí, soy muy consciente de que hay una película de ‘Let It Be’, esa es otra historia), entonces el noveno disco de The Beatles sería el contendiente obvio. Fue el álbum que sentó las semillas para la ruptura irreconciliable de The Beatles, el interés de John Lennon radica menos en sus tres compañeros de banda, pero un nuevo interés en Yoko Ono, la adhesión de Paul McCartney al sonido perfecto la irritación de George Harrison (McCartney grabó tres de las canciones en su totalidad por él mismo). Incluso Ringo Starr sintió el calor, tomando la audaz decisión de dejar The Beatles por unas semanas (McCartney se hizo cargo de la batería en su ausencia, y lo hace bastante bien, su ‘Dear Prudence’ se llena de imaginación), descontento con el sesiones y preocupado por su destreza con la batería. Sus notables giros en ‘Yer Blues’ y ‘Long Long Long’ deberían haber dejado de lado tales preocupaciones, pero su breve partida resultó profética; dentro de un año, tanto George Harrison (temporalmente) como John Lennon (permanentemente) también se turnaron para dejar la banda.

Y para un álbum titulado ‘The Beatles’ (solo fue apodado ‘The White Album’), muchas de las canciones fueron principalmente el trabajo de uno (a veces dos) miembros. Lennon y McCartney cantaron ‘Julia’ y ‘Blackbird’ solos en sus guitarras acústicas, y se irritaron mutuamente al excluir la participación del otro socio en el aullido de McCartney ‘Why Don’t We Do It In The Road?’ (uno de sus mejores rockeros) y en la execrable ‘Revolution 9’ de Lennon (un collage sin estructura y sin sentido). Con la asociación Lennon-McCartney solo de nombre, ambos escribieron una colección de canciones versátiles y táctiles. La primera parodia de McCartney de Beach Boy ‘Back In The USSR’ rockeó de la misma manera que la cancioncilla de los años veinte ‘Honey Pie’ encantó. ‘Dear Prudence’ de Lennon rebosaba de la melodía que una vez se burló de McCartney por desarrollar, ‘Happiness Is A Warm Gun’ secuenció tres piezas musicales separadas junto con la canción que McCartney se jactaba de ser la mejor del disco (¡y tiene razón!). Solo en ‘Birthday’ sonaron unidos, compartiendo la alegre voz principal como habían rebosado en ‘She Loves You’ y ‘I Want To Hold Your Hand’ solo cuatro años antes.

Harrison, quizás el miembro más cansado de The Beatles y su desencanto con el camino de la meditación (su tema pasivo pero brillante ‘Not Guilty’, que explora su angustia por la incapacidad de los otros tres para apreciar su paso por la India, fue vetado sin contemplaciones por los miembros de Off el disco), también rompió su paz, trayendo a su nuevo mejor amigo Eric Clapton a la incursión para tocar el solo abrasador en ‘Guitar Gently Weeps’, mejorando el juego de los otros miembros en el proceso (el piano y el bajo de McCartney son especialmente buenos en este) . A pesar de la maestría musical ordenada, el poder de la canción radica en su letra, quizás la mejor que Harrison había escrito hasta ese momento. Con el lanzamiento de los CD de The Anthology en los noventa, llegó una demo acústica desnuda que Harrison grabó por sí mismo, y que fue tan poderosa como su arreglo de estudio.

Y es difícil no llorar al escuchar a Starr batir ‘Goodnight’ (una canción que Lennon escribió para su hijo Julian, más tarde la inspiración para la obra de McCartney ‘Hey Jude’), solo en el estudio con solo el piano de George Martin y una orquesta para Acompañarlo. Dulce, y respetuosamente ingenuo, era un álbum más cercano ni a la brillantez sónica de ‘Tomorrow Never Knows’ de Revolver ni a los húmedos esfuerzos de calamar de ‘Run For Your Life’, sino una imagen suave de cuatro hombres cada vez más separados, la más sincera de Starr. vocal en cualquier disco de los Beatles.

Sin embargo, a pesar de estas grietas, rara vez la banda había sonado tan poderosa como lo hicieron en ‘Yer Blues’ y ‘Helter Skelter’, el primero un número de blues agresivo embellecido por el trabajo de guitarra stirling de Harrison (Lennon interpretaría la canción en vivo con Keith Richards y Eric Clapton a cuestas, ¡robando posteriormente el ‘Rock N’ Roll Circus ‘de Mick Jagger!), el último intento de McCartney de superar a The Who por jugar sucio. Enérgica y agresiva (se puede argumentar que ‘Helter Skelter’ es un ejemplo temprano de heavy metal), la canción demostró ser una bestia negra para McCartney cuando Charles Manson la usó como parte de su violenta cruzada. La grabación en sí resultó polémica, historias de Harrison corriendo con un cenicero sobre su cabeza, quizás una leve hipérbole.

Por muy controvertida que fuera ‘Helter Skelter’, fue reforzada por ‘Revolution 9’, la primera colaboración de Lennon con el futuro socio musical Yoko Ono. Un collage de voces, no tenía el poder de ‘Voices Of Old People’ mostrado en ‘Sujetalibros’ de Simon y Garfunkel ni la brillantez de la vasta obra de vanguardia de John Cage. Continuando lentamente durante ocho minutos estúpidos, la canción disgustó al productor George Martin, y comenzó una tendencia de colección irritantemente horrible de álbumes que Lennon y Ono grabarían juntos (su punto más bajo, ‘Sometime In New York City’ es una escucha insoportable, a pesar de su brillantez en el mundo del arte y la política, la música no fue una colaboración que beneficiara a ambos).

Lennon no fue el único Beatle cuya indulgencia le ganó. ‘Obla Di …’ de McCartney fue una “melodía” de letra y dirección estúpidas, una que llevó a la banda a casi la locura mientras grababan y grababan la pista de muchas maneras y estilos diferentes. Ligero hasta el extremo, esta fue una crítica que muchos críticos lanzarían a McCartney durante los años setenta cuando lanzó lo que muchos pensaban que era pop superfluo.

Y quizás esa era la intención. Con casi tantos Ivor Novelloes y Grammies como cenas calientes, quizás el cuarteto necesitaba a los críticos tan poco como sentían que se necesitaban el uno al otro (esto puede haber resultado prematuro). ‘The White Album’ nunca fue una declaración de arte, ni tampoco un espíritu cultural. Pepper detrás de ellos, la banda sabía que tenía la fuerza de voluntad y el margen de maniobra para tocar lo que quisieran y cuando quisieran. Y aunque es una obra maestra defectuosa, The White Album sigue siendo una obra maestra, su colección de su over-play más indulgente, tocada con entusiasmo y hurra.

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Led Zeppelin: Legendarios intérpretes del rock

Gabriela Cepeda — Wed, 29 Apr 2020 02:08:57 +0000

Un grupo de jóvenes en Inglaterra formó una banda de rock del género de la banda de heavy metal en octubre de 1968. La banda pronto demostró su valía y tuvo un aumento meteórico en el rendimiento y la popularidad en el ámbito de la música rock. Su fuerte estaba en letras arcanas, junto con un juego de guitarras que causaba sensaciones, en particular en las manos mágicas de Jimmy Page, en medio de gritos de voz del notable cantante Robert Plant.

En el mundo de la música rock, Led Zeppelin no pudo sostenerse y la banda duró poco. Después de la muerte de uno de sus padres fundadores, la banda se desintegró en 1980. Sin embargo, el trabajo de la banda, que abarca poco más de una década, forjó un nicho especial en la historia de la música rock como innovadores.

¿Quiénes formaron la banda Led Zeppelin?

La banda estaba compuesta por los siguientes miembros:

1. John Bonham

2. John Paul Jones

3. Robert Plant

4. Jimmy Page

Incluso en los inicios el nombre de la banda era Lead Zeppelin, más tarde rebautizado como Led Zeppelin, la banda produjo su álbum debut en un increíble lapso de tiempo de menos de 30 horas. El trabajo fue tan meritorio y sorprendente que atrajo la atención de Atlantic Records en los Estados Unidos, y finalmente llevó a la banda a firmar un contrato con ellos antes de fines de 1968.

Este éxito temprano llevó a Led Zeppelin a emprender una gira por Estados Unidos a principios de 1969. Esta oportunidad única permitió a la banda lanzar su álbum debut, adoptando el título homónimo “Led Zeppelin”. El álbum se hizo tan popular en EE. UU. Que llegó al top 10 de ventas en el mercado estadounidense. Durante 1969, Led Zeppelin realizó una extensa gira en los Estados Unidos e Inglaterra.

El éxito llegó rápidamente, y también lo hicieron los álbumes

Después del éxito rotundo de su álbum debut, la banda sacó otro álbum, “Led Zeppelin-II”, a fines de 1969. Como era previsible, el segundo álbum llegó al mercado y creó un éxito sin precedentes al capturar el primer puesto.

Al año siguiente, la banda lanzó su tercer álbum, titulado “Led Zeppelin-III”, que también demostró ser popular. El grupo lanzó un álbum sin título en noviembre de 1971 que muestra diversas formas de su música y muestra inequívocamente su fijación con los cuentos populares y la mitología de Gran Bretaña. Led Zeppelin lanzó su quinto álbum, rompiendo el récord de taquilla de los Beatles. La banda lanzó un álbum doble en 1975, que estuvo a la altura de las expectativas de los éxitos de sus álbumes anteriores. Su próximo álbum fue lanzado en 1979, atrapando la imaginación de los amantes de la música y registrando la posición número uno tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido.

Las 4 canciones favoritas de los fans de Led Zeppelin

1. Stairway to heaven

2. Whole Lotta Love

3. Dazed and Confused

Estos innovadores de la música, poco después de su formación, se establecieron un lugar digno en el firmamento del mundo de la música y pronto alcanzaron alturas asombrosas, ganando un lugar en los corazones de millones de amantes de la música rock en todo el mundo.

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