Cuatro muchachos de Liverpool, Inglaterra, “The Beatles”, abrieron el camino y estarían al frente de todo. No sólo de otras bandas británicas sino de todo el ámbito musical durante los años 60s y 70s. Canciones como ‘Please, Please Me’, ‘I Wanna Hold Your Hand’ y ‘Hard Days Night’ hicieron que las adolescentes se desmayaran, lloraran y se desmayaran. Desde Elvis Presley, con su gran apariencia, su voz inconfundible y sus caderas giratorias, no había habido tal espectáculo. Los mayores estaban verdaderamente disgustados pero no podían hacer nada. Los Beatles, junto con bandas con nombres como “The Zombies”, “The Animals”, “The Kingsman”, “The Hollies”, “The Kinks” y “Rolling Stones”, habían conquistado Estados Unidos. Luego estaban las canciones, temas como la melódica Hollies, ‘Bus Stop’ y el trepidante y duro rockero, ‘You Really Got Me’, de los Kinks estaban dando a los fans más variedad en la elección de estilos, lo que condujo al creciente atractivo. En 1965, el guitarrista principal de los Rolling Stones, Keith Richards, tocó 15 cuerdas de guitarra inolvidables al comienzo de ‘Can’t Get No,(Satisfaction), y nació un clásico número uno. La canción también fue un ejemplo de cómo las letras sexualmente explícitas se estaban volviendo más explícitas.

Los Rolling Stones fueron un excelente ejemplo de bandas que comenzaban a seguir este patrón. Pero no sólo los británicos. El grupo americano “Doors”, con el cantante Jim Morrison a la cabeza, fue considerado muy atrevido. Y las payasadas de Morrison en el escenario se estaban convirtiendo en algo legendario, lo que provocó que lo arrestaran en algunos shows.

Además de una curva moral, Estados Unidos estaba cambiando rápidamente, “creciendo”, por así decirlo. Por supuesto, esto trajo consigo dolores crecientes en forma de la muerte repentina de un presidente joven y popular, un movimiento de derechos civiles a menudo violento, una guerra impopular y una desconfianza creciente en el gobierno. Bandas como los Beatles y los Hollies, que habían comenzado siendo jóvenes y algo risueños, ahora eran adultos y cantaban sobre los temas del día. El éxito de The Who, ‘My Generation’, habló de la brecha cada vez mayor entre los más jóvenes cadera generación y los viejos nebulosos, que se negaron a abandonar sus viejas costumbres. The Beatles ‘Revolution’ fue un flagrante himno antigubernamental y pacifista. Los invasores británicos estaban empezando a expandirse en diferentes direcciones. Los Beatles con un tema más consciente de sí mismo, del amor a uno mismo y a los demás, mientras que los Rolling Stones se encaminaron hacia un sonido más duro. Ya a finales de los años 60 aparecería un tardío llegado a la invasión con un sonido hard rock y psicodélico que atraería a los presentes y futuros amantes de este sonido hard drive. El grupo era Led Zeppelin. Con el destacado y carismático cantante Robert Plant y el guitarrista Jimmy Page a la cabeza, Led seducía y deleitaba con letras sexys y extravagantes y sí… ese sonido inconfundible que llamaba tu atención y no te soltaba.

Así que, por desgracia, la música que nos llegó del otro lado del charco y el artista que la trajo, nos deleitó, hizo gritar a las chicas, cambió la música e influyó en el presente, el futuro, los músicos y los artistas. Ah, y sí, tal vez nos corrompió un poco en el camino. Llegó, conquistó y nunca se fue. Probablemente nunca lo haga.

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Las siguientes escalas y recursos se utilizan para tocar la guitarra de metal neoclásico:

Escala menor armónica: el modo eólico es el séptimo aumento en el semitono.
Escala menor melódica: es el modo eólico con subidas de semitono de los grados 6 y 7.
Arpegios disminuidos: una serie de cadenas de tercios menores.
Círculo de quintas: una progresión de acordes que puede subir un quinto en cada acorde: la m, Re m, G, C, F, si es tenue, My, La m (por ejemplo).
Suspensiones: Velocidad o “progresiones de acordes finales” en las que se elimina la armonía de un acorde, por ejemplo, sustituyendo una 3ª por una 4ª, una 5ª a una 6ª o una 8ª por una 9ª.
También destaca el uso del tritono, un intervalo musical que abarca tres anillos (seis semitonos). Es muy común en estilos como el rock pesado y progresivo ya que tiene un sonido disonante. Este intervalo contenía “Diabulus in musica”, que se consideraba “malvado” en el pasado y nunca se incluyó en las obras. Para la transcripción, adaptación e imitación de piezas clásicas, el violín se suele utilizar como instrumento solista.

La mayoría de estas escalas y melodías para guitarra de metal neoclásico surgen de las obras de Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Niccolo Paganini, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven, especialmente los tres primeros.

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Artistas Psicodélicos De Los 60s y 70s

El sonido fue promovido por The Beatles y adoptado por bandas como The Yardbirds, Cream, Pink Floyd y The Jimi Hendrix Experience. La banda atribuida principalmente a la invención del término Psychedelic Rock es The 13th Floor Elevators, con sede en Austin, TX.
El movimiento alcanzó su punto máximo con el sargento de The Beatles. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones, The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd, todos finalmente culminaron en 1969 en Woodstock, donde tocaron artistas psicodélicos como Jimi Hendrix, Janis Joplin y Santana.

Nacimiento De El Rock Progresivo Y El Heavy Metal

Varios eventos contribuyeron a la disminución de la popularidad de El rock psicodélico. El LSD había sido declarado ilegal, el vínculo entre el asesinato de Sharon Tate por Charles Manson y “Helter Skelter” de The Beatles provocó una “reacción hippie”. Las “víctimas del ácido”, o las personas afectadas negativamente por los alucinógenos y las drogas en general, se convirtieron en carteles para evitar las experiencias psicodélicas: la locura de Syd Barrett, las muertes de Jim Morrison, Jimi Hendrix y Janis Joplin llevaron a una tendencia más cruda de “volver a lo básico” en Rock.
Sin embargo, debido al atractivo del Rock Psicodélico, se formaron nuevos géneros, incluidos el rock progresivo y el heavy metal. Los músicos que crecieron escuchando Psicodelia todavía querían tomar elementos del movimiento e incluían sus aspectos favoritos en sus respectivos sonidos.
A fines de la década de 1970, las bandas principalmente en la escena Post-Punk se esforzaron por revivir la Psicodelia, mezclando las distorsiones, la reverberación y el phaser con los ritmos de baile optimistas del New Wave. Bandas como Siouxsie and the Banshees, Echo and the Bunnymen, The Soft Boys y The Church utilizaron los matices de los años 60s para lograr un efecto completo de los 80s, de ahí a que surgiera la Neo-Psicodelia.
La popularidad de estas bandas se desangró en los 90s, con Shoegaze of My Bloody Valentine y The Jesus of Mary Chain que se remontan a los 80s, el surgimiento de The Brian Jonestown Massacre, The Dandy Warhols y Electric 6 Collective, que incluye a The Apples en Stereo, de Montreal, y Neutral Milk Hotel. El Rock Neo-Psicodélico básicamente se puede resumir como cualquier forma de música que incorpore elementos psicodélicos en sus canciones.
El verdadero rock psicodélico es intocable, habiendo terminado con el declive de la contracultura. Si uno escribiera canciones originales en el estilo rock psicodélico, esas canciones serían Neo-Psicodélicas.

La música psicodélica fue tan poderosa principalmente a través de su promesa de experimentar con un arte elevado, que continúa dominando nuestras tendencias musicales hasta el día de hoy. Y seria seguro apostar que nunca se esfumará por completo.

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Aquí hay una lista de algunas de las canciones que creo que consolidan la merecida reputación de Sabbath como la más pesada de la tierra.

1.) “Into the Void” – de Master of Reality, 1971

Si tuviera que elegir solo una canción para defender el peso inigualable de Black Sabbath, sería esta. Esta canción individual tiene más riffs de metal de pila que la mayoría de los guitarristas en el transcurso de una carrera. Como suele ser el caso, Tony Iommi lidera la manada aquí con un tono y un ataque que hacen que escuchar esta canción sea similar a estar lentamente encerrada en hierro fundido (um, en, ya sabes, una buena manera). Sin embargo, la química de la banda no se debe descartar aquí; sin la voz de Ozzy que llora en el desierto y la sección de ritmo inimitable de Bill Ward y Geezer Butler simultáneamente, la pesadez de la pista sería menos de la mitad. Los avances tecnológicos naturalmente han hecho que sea más fácil obtener tonos de guitarra cada vez más pesados ​​o sonidos de producción, pero la clave de por qué estas cosas todavía suenan alarmantemente pesadas incluso hoy en día reside en el loco vibrato de mano de Iommi, junto con la química con el resto de la banda.

2.) “Iron Man” – de Paranoid, 1970

¿Exagerado? Tal vez. Aún así, aunque el riff de este clásico es una de las primeras cosas que aprende cada guitarrista de rock (junto con “Smoke on the Water” de Deep Purple) y se quema en el cerebro de los fanáticos del rock en todo el mundo, nunca suena como pesado en tu cabeza como cuando realmente lo escuchas. Esto es pesado casi hasta el punto de parodia, y es, por lo tanto, impresionante.

3.) “Cerdos de guerra” – de Paranoid, 1970

Otro gran éxito, y del mismo registro, pero “War Pigs” también exige su inclusión. El acorde de apertura solo califica esta canción para el pesado salón de la fama.

4.) “The Writ” – de Sabotage, 1975

Algunas de las canciones más pesadas de Sabbath provienen de este álbum subestimado, incluyendo “Hole in the Sky”, “Symptom of the Universe” y “Megalomania”. Es probable que todos pertenezcan a esta lista, pero “The Writ” aparece como el más pesado del grupo para mis oídos, aunque solo sea por el golpe emocional angustiado que contiene. A menudo se pasa por alto cuánto se suma la voz de Ozzy a la pesadez real del material más denso de los Sabs.

5.) “Falling Off the Edge of the World” – de las Reglas de la mafia, 1981

Tuve que incluir algo de la era de Dio y fue un cambio entre esto y “Follow the Tears” del álbum de 2009, “The Devil You Know”. Sin embargo, ese álbum, aunque grabado por el mismo personal que “The Mob Rules”, fue lanzado bajo el nombre de la banda Heaven & Hell, no Black Sabbath. Entonces, estoy llamando a esta difícil decisión por un tecnicismo aquí. Sin embargo, cualquiera de estas pistas son abrumadoramente pesadas y hacen un fuerte argumento para la capacidad de Iommi y Butler de repartir pesadez de clase mundial incluso con dos jugadores muy diferentes en batería y voz (Vinny Appice y Ronnie James Dio, respectivamente). Otro fuerte contendiente sería “I (Yo)” de “Deshumanizer” de 1992.

Al final, es realmente difícil elegir cinco como los momentos pesados ​​definitivos para estos muchachos. Sin embargo, creo que si escuchas estas cinco canciones seguidas, verás por qué la gente considera que Black Sabbath es una de las bandas más pesadas de todos los tiempos.

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La formación de la banda Pantera estaba compuesta por Rex Brown, Terry Glaze, Darrell Abbott, Terrence Lee, Rex Brown y Diamond Darell. Pantera fue establecida en 1981 por Abbot Brothers. La banda luego buscó un sonido nuevo y pesado, el grupo reemplazó a Terry con Phil Anselmo. Pero, el grupo cambió la formación la mayor parte del tiempo. En 1982, los miembros de la banda decidieron acortar el nombre de la banda y acordaron el nombre de Pantera. Hart decidió renunciar al grupo, por desacuerdo personal, con los otros miembros de la banda. Bradford también decidió renunciar a la banda más tarde ese año y el grupo lo reemplazó con Rex Brown. En 1990, la banda lanzó su segundo álbum conocido como “Cowboys from Hell”.

El primer álbum de la banda llevó al grupo al mapa nacional del metal. MTV jugó un papel muy importante en el desarrollo de Pantera, porque pusieron la mayoría de sus videos grupales en una gran rotación. Su actuación en el escenario hizo que la banda fuera diferente de las otras bandas de rock de Estados Unidos. Cuando la banda lanzó mucho más allá en 1994, el grupo se había hecho famoso, no solo en Estados Unidos, sino también en otras partes del mundo. Fue el mismo año, que comenzó la banda, para autodestruirse.

Cuando Pantera lanzó el álbum Great Southern Trendkill en 1996, la banda cambió un poco. La banda disminuyó su ritmo y tono. El líder de la banda Phil Anselmo se volvió adicto a las drogas. En 2000, Phil Anselmo comenzó a involucrarse en proyectos paralelos y la banda perdió a su baterista Dimebag Darrell. Fue asesinado cuando actuaba en el escenario en 2004. La muerte de Dimebag disolvió el grupo. Este incidente conmocionó a todo el mundo y fue condenado por fanáticos ardientes de Pantera. Desde que el grupo se aventuró en el mundo de la música, los miembros de la banda fueron conocidos popularmente por su fiesta y desenfreno. También adquirieron un nombre de bebida oficial conocido como “Black Tooth Grin”.

La banda Pantera, estableció su nombre en el mundo de la música rock, en menos de una década. Desde que el grupo se aventuró en la música rock, la banda ha inspirado a otras bandas populares como Rolling Stones, Kiss, Black Sabbath y muchas más. La banda realizó numerosas giras por Estados Unidos, Suecia, Nueva Zelanda y Australia para promocionar sus canciones. Los fanáticos ardientes de la banda aún pueden obtener las canciones de la banda, si visitan el sitio web oficial de la banda.

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Lo más probable es que, con respecto a la música de los años 70, el género musical más relacionado con esa década estadounidense sea el Disco, que realmente se hizo fuerte en la corriente principal después de la película “Saturday Night Fever”. La banda sonora de esa película también se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. La revista Rolling Stone en 2003 colocó el álbum en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, y en el mismo año, VH1 lo calificó como el 57º mejor álbum de todos los tiempos. Con canciones como “Staying Alive”, “Night Fever”, “If I Can’t Have You” y “Boogie Shoes” no sorprende que este álbum haya alcanzado la cima.

El Southern Rock de los 70s

Otro género que realmente aumentó en popularidad durante la década de 1970 es Southern Rock. Hubo una gran cantidad de bandas de Southern Rock en los años 70s que realmente explotaron en esa escena musical también. Bandas como Allman Brothers, The Outlaws y Molly Hatchet hicieron buena música, pero las que establecieron el estándar de la música Southern Rock de los años 70s no son otras que Lynyrd Skynyrd. Lynyrd Skynyrd tuvo cuatro álbumes de platino en los años 70s, tres de los cuales fueron doble platino. Sin embargo, Street Survivors mostró el ataque de 3 guitarras de Gaines, Collins y Rossington detrás de Ronnie van Zant que otras bandas intentan copiar hoy haciendo de Street Survivor su álbum más importante en los años 70s.

El género del rock progresivo es otro estilo de música que, si bien nació del rock psicodélico en los años 60s, realmente se apoyó en los artistas anteriores en los años 70s. Bandas como ELO, Utopia, Kansas y Rush pasaron a la vanguardia del género manteniendo el núcleo de sus oyentes, al tiempo que hicieron que Prog Rock Top 40 también fuera amigable. De todas las bandas mencionadas, Rush es realmente el estándar por el cual se miden todas las demás bandas de Prog Rock. Quizás su contribución más importante en vinilo a la música de los años 70s es el álbum de la banda “2112”, y el tema principal en ese álbum “Passage to Bangkok”

Heavy Metal

El último de los géneros de los que vamos a hablar es, por supuesto, Heavy Metal, que asaltó el Rock and Roll y se generalizó en los años 70. Motorhead, Judas Priest y Iron Maiden encontraron un hogar dentro del género haciendo música fantástica, pero la banda que hecho que todo sea posible es, por supuesto, Black Sabbath. El álbum “Black Sabbath” es el padre indiscutible del género Heavy Metal, la música de los 70s y  así como los discos de Heavy Metal también de los 70s. Las tres pistas que todos mencionan cuando discuten esta obra maestra musical son “N.I.B.”, “Black Sabbath” y “Warning” y todos están de acuerdo en que este álbum es el mejor de la escena Metal de los años 70s.

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Hasta mediados de la década de 1980, el hard rock y el heavy metal eran prácticamente un frente unido. Si amabas a Aerosmith y KISS, probablemente amabas a AC / DC, Black Sabbath y Van Halen. Eso comenzó a cambiar en los años 80s cuando bandas de thrash como Metallica y Slayer fueron en una dirección y bandas de pelo como Bon Jovi y Poison fueron en otra.

Las bandas de speed metal jugaron con la agresión y la ira que siempre habían estado en el centro del heavy metal, y minimizaron el glamour, el atractivo sexual y la mentalidad de estrella de rock, tan importante para el rock de multitudes. Las bandas de Glam hicieron exactamente lo contrario, tocando la imagen de la estrella de rock hasta la empuñadura y quitando el borde brutal. Aproximadamente media década pasó sin una banda de hard rock que pudiera hacerlo todo, como los titanes del pasado la legendaria banda Led Zeppelin. Guns n Roses se ajustaba perfectamente, combinando una peligrosa sensación de ira y frustración con la sexualidad, la arrogancia de la estrella de rock y una vulnerabilidad sorprendente. En resumen, los Gunners fueron capaces de expresar el rango completo de sus emociones, algo que muy pocas bandas pudieron hacer en ese momento.

Para mí, “Appetite For Destruction” fue un álbum que me cambió la vida. Como joven fanática, ninguna banda capturó mi atención como lo hizo Guns N Roses, en ese momento. Más allá de mis gustos musicales, influyeron en mi estilo de vida totalmente. A diferencia de la mayoría de la música rock presentada por aquellos días ochenteros, Guns se mostraba rudo, enojado y un tanto crudo pero a diferencia de la acérrima multitud de thrash, no tenían miedo de expresar otros sentimientos también (y no tenían vergüenza de cortejar a la audiencia más amplia posible). Los primeros conciertos de G’n’R se destacaron por reunir cabezas de metal, punks, chicas rockeras e incluso ocasionalmente skinhead (Skinhead es una subcultura originada en el Reino Unido en el año 1969). En un solo lugar, por extraño que parezca ahora. La prensa de rock en ese momento generalmente citaba a la banda y “Appetite” como el clavo en el ataúd de Bon Jovi, Poison y Ratt.

Es curioso que cinco años después, las mismas revistas aclamaron a Nirvana como la banda que mataría a bandas como Bon Jovi, Poison, Ratt y ….. Guns n Roses. La verdad es que, aunque Guns no fue una influencia musical en Nirvana (Kurt Cobain ciertamente no era un fanático), en términos de aceptación comercial, si “Appetite for Destruction” nunca hubiera salido, “Nevermind” podría nunca haber despegado. Nirvana podría haber tocado para el mismo público de nicho que los Melvins, los Meat Puppets y actos similares. “Appetite for Destruction” bien podría haber sido la droga de entrada para las personas adictas a “Slippery When Wet” para pasar a “Smells Like Teen Spirit”.

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