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Fugazi – Espectáculos de 5 dólares, álbumes de 10 dólares y pasión de 1,000,000 de dólares

Gabriela Cepeda — Sun, 11 Sep 2022 15:55:11 +0000

Pocas bandas en los últimos años han disfrutado de la aclamación de la crítica que ha recibido esta influyente banda de rock. Formada en 1987 por los remanentes de las cruciales bandas de hardcore Embrace y Rites of Spring, esta banda ha alcanzado el título de leyendas underground. Esta reputación no es el resultado de su evolución del hardcore punk y su experimentación con varios otros géneros musicales, sino de su ética e ideales. El propósito de este ensayo es exponer una de las mejores bandas del underground estadounidense. Fugazi está compuesto por el vocalista y guitarrista Ian Mackaye, el vocalista y guitarrista Guy Picciotto, el bajista Joe Lally y el baterista Brendan Canty.
Para empezar a hacer una crónica de la historia de Fugazi, primero hay que echar un vistazo a sus raíces incondicionales. Ian Mackaye fue el vocalista de la icónica y a menudo llamada “definitiva” banda de hardcore punk Minor Threat formada en 1980. Minor Threat tiene un estatus legendario en la escena punk debido a su música, sus ideas y su enfoque. Después de que Minor Threat se disolviera en 1983, Mackaye formó Embrace en 1985. Mientras tanto, Guy Picciotto era parte de Rites of Spring, a menudo llamada la “primera y definitiva banda emocore”, formada en 1984. Estas dos influyentes bandas formaron parte del movimiento. conocido como “Revolution Summer”, un intento de cambiar la escena punk a música más melódica y letras introspectivas; varias bandas de hardcore de los años 80 habían atraído mucha violencia e intolerancia debido a su música agresiva y letras furiosas. Las dos bandas duraron poco y sus miembros se unieron a otros grupos. Ian Mackaye luego formó un trío con Joe Lally y Colin Sears, quien se fue y fue reemplazado por Brendan Canty. Fugazi es un acrónimo vietnamita de malos escenarios de combate que significa F*cked Up, Got Ambushed, Zipped In. Después de algunos shows, decidieron agregar Picciotto a la mezcla y continuaron tocando durante varios años.
Los fugazi son muy difíciles de clasificar y etiquetarlos en un solo género es casi imposible y, en cierto modo, insultante. Su música integra elementos de punk, hardcore, noise rock e incluso soul, con ritmos innovadores influenciados por el funk, el jazz, el reggae y el dub. De hecho, han sido categorizados como post punk y post hardcore por muchos críticos porque su música es una evolución, progresión y reacción al hardcore punk. Esta banda también se destaca por las guitarras entrelazadas de Picciotto y Mackaye, que se mantienen en equilibrio como iguales, a diferencia de la mayoría de las bandas que tienen una guitarra principal y una guitarra rítmica. Además, el contraste en los estilos de canto de ambos guitarristas es fascinante. Las raíces hardcore de Mackaye hacen que su forma de cantar sea mucho más directa y parecida a un himno, mientras que Picciotto prefiere una forma de cantar más abstracta. Sus sonidos experimentales han influido en muchas bandas, como At the Drive-In y están consideradas como una de las mejores bandas de los últimos veinte años.
Tan famosos como su música innovadora son su ética e ideales. Son una de esas bandas difíciles de encontrar que, manteniendo su ética punk DIY, lograron el éxito en la corriente principal. Normalmente cobraban de $ 5 a $ 10 por espectáculo e insistían en que sus espectáculos estuvieran abiertos para todos, independientemente de la edad. No venden mercadería como afiches, pines, parches o playeras porque pensaron que tener una persona manejando la mercadería implicaba más costos y querían mantener los precios de sus discos y shows al mínimo. En sus shows, Fugazi alentó a los fanáticos menores de edad a usar ex negros en sus manos para evitar que consumieran alcohol, en particular, una tradición creada por Mackaye durante sus días en Teen Idles, una banda mayor que Minor Threat. Gran parte de la reputación de Fugazi proviene del boca a boca. Tenían reputación de espectáculos potentes, catárticos y con muchas ganas de tocar en cualquier parte. Otra característica famosa de Fugazi es que, a diferencia de la mayoría de las bandas de su época, desaconsejaban el slam dance, las peleas a puñetazos y los moshpits durante sus shows y estaban listos para dejar de tocar y pedirles a las personas problemáticas que salieran y les devolvieran su dinero para poder continuar. su espectáculo.

Fugazi ha demostrado ser una de las bandas más veneradas en la escena indie y punk estadounidense debido a su contribución a la música. Solo el hecho de que nunca se agotaron cuando tenían innumerables oportunidades demuestra lo valiosa que era su música para ellos, una cualidad admirable. En este mundo conformista y corporativo donde los sonidos se sintetizan y copian para manipular a las masas, esos desvalidos que se rebelan contra el mainstream y buscan alcanzar el placer musical son los que vale la pena escuchar. Muchas bandas han tomado el ejemplo de Fugazi, pero ninguna banda se comparará con la grandeza que fue Fugazi, la banda que pudo.

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Los 3 artistas más relevantes de la década de 1990

Gabriela Cepeda — Tue, 14 Jun 2022 15:21:51 +0000

Si eres un niño o niña de los 90s, quizá recuerdes, toda una época de increíble diversidad musical.
A medida que las bandas se enfrentaban a una presión cada vez mayor para hacer algo diferente para mantenerse ‘relevantes’, los géneros comenzaron a diversificarse. Mientras que la música más pesada de los años 80s consistía principalmente en rock and roll clásico y punk, en los 90s el grunge, el rock alternativo, el industrial y el metal pasaron a primer plano.
La tendencia hacia lo ‘oscuro y lúgubre’ que comenzó en los años 80s con bandas de rock gótico como Depeche Mode, Joy Division y Sisters Of Mercy, en los 90s dió un giro más dramático con el auge del metal industrial más ‘extremo’, con artistas como Marilyn Manson y Nine Inch Nails llegando a escena.
Sin embargo, mientras que en los años 80s, el rock, el punk y el metal habían sido en gran parte una subcultura construida sobre sellos independientes apoyados por fanáticos acérrimos, en los años 90s, la música más pesada se produjo y consumió en una escala mucho más amplia.
El rock y el heavy metal se habían convertido en un gran negocio y ya no se consideraba simplemente como “música para adolescentes rebeldes”. El rock y el metal obtuvieron un cambio de imagen nuevo, sofisticado y actualizado, ya que los sellos discográficos los adquirieron y los pulieron para convertirlos en algo más “consumible”.
Al mismo tiempo, la música pop y experimental también estaba en auge, con el electro aún presente en la escena desde los años 80s, y las fiestas raves clandestinas significaban un gran negocio.
En este punto, el rap y el hip-hop comenzaron a volverse más populares y se convirtieron en el género distintivo que conocemos hoy, con artistas como Snoop Dogg y Jay Z convirtiéndose en figuras icónicas de celebridades.
El reggae y el R&B también continuaron siendo populares en esta era, y los géneros se fusionaron rápidamente para expandirse a mundos musicales nuevos y fascinantes; desde electro-swing hasta ska, había algo para todos.
El soul despegó especialmente en los años 90s con la superestrella del soul Whitney Houston, quien rápidamente se convirtió en una de las artistas musicales más vendidas de todos los tiempos, vendiendo más de 200 millones de discos en todo el mundo.
Entonces, ¿qué música sigue inspirándonos hoy? Refresquemos nuestros recuerdos repasando algunos de los artistas que mejor han envejecido en los últimos 30 años.

Tracy Chapman

Tracy Chapman es instantáneamente reconocible como una de las cantantes políticas más talentosas de nuestro tiempo.
La cantautora y activista por los derechos de los negros y LGBTQIA+ Chapman tiene una calidad clásicamente simple, pero profundamente expresiva, en su voz y letras, y tiene un talento excepcional para crear música de blues memorable pero significativa que se relaciona con su activismo político.
Talkin’ About A Revolution, en particular, se ha convertido en un himno moderno para el activismo negro y LGBTQIA+, y ella sigue estando estrechamente alineada con esas causas políticas, al mismo tiempo que se ofrece como voluntaria para Amnistía Internacional y AIDS/Lifecycle.
El público conoce una cantidad limitada sobre la vida privada de Chapman, y ella siempre ha sido algo así como un recluso.
Su relación con Alice Walker, autora de la novela Black LGBTQIA+ The Color Purple, se mantuvo en secreto durante la mayor parte de su carrera, y Chapman prefirió llamar la atención sobre su causa en lugar de sobre sí misma.
La música de Tracy Chapman fue sin duda influyente, pero no siempre por elección propia. En 2018, Chapman demandó a Nikki Minaj por violar los derechos de autor de Baby Can I Hold You en su canción Sorry, eventualmente recibiendo $ 450,000.

Björk

Una mujer que realmente pone el arte en artista. La cantante, compositora e intérprete visual islandesa Björk ha derribado constantemente las barreras creativas y culturales en su música.
A diferencia de algunas de las bandas más pesadas de los 90s, el don de la música de Björk era hacer pensar sin ser deprimente, y tenía la sabiduría de siglos mientras se miraba a través de los ojos de un niño.
Su música a lo largo de los años 90s y más allá fue memorable, peculiar y original, jugando con las dicotomías de tecnología versus naturaleza y guerra versus paz, para crear música compleja llena de profundidad y sonidos experimentales.
Björk jugó un papel decisivo en el uso de una variedad de sonidos de culturas de todo el mundo, con influencias de su propia cultura islandesa, así como elementos de música occidentalizada y estilos tribales de percusión.
Mientras se recuperaba la feminidad en los años 90s, con el auge de las bandas abiertamente feministas ‘Riot Grrl’, la música de Björk quizás se adelantó a su tiempo en el sentido de que rechazaba los estereotipos de lo que era ser masculino o femenino.
Canciones como ‘Venus As A Boy’ cambiaron la narrativa sobre la masculinidad tradicional al rechazar los ideales convencionales de ‘fuerza’ o ‘dureza’ para enfatizar las cualidades de ternura y amor desinteresado en los hombres.
Su enfoque de la religión es igualmente reflexivo, y muchas de sus canciones, incluidas Human Behavior y Earth Intruders, resaltan sus pensamientos filosóficos sobre la sociedad humana. Si bien algunos inicialmente parecen críticos con el impacto de los humanos en la tierra, la compleja visión de la vida de Björk captura las dos caras de la moneda.
En The Modern Things, describe cómo “todas las cosas modernas… siempre han existido, han estado esperando en una montaña”. Tal vez una sugerencia de que la naturaleza humana es tan natural como la naturaleza misma.

Nirvana

Es difícil siquiera pensar en los años 90s sin pensar inmediatamente en Nirvana y su trágico líder, Kurt Cobain.
La música de Nirvana era una mezcla compleja y contradictoria de nihilismo deprimente y activismo social apasionado, y esto resumía las actitudes sociales de la generación más joven de la época.
El tema típico de Nirvana a menudo era oscuro, con varias canciones sobre la adicción a las drogas, la violencia, la misoginia, el racismo y la homofobia, pero en ningún momento se tocaron estos temas para impactar.
Las canciones de la banda reflejaron de cerca las actitudes sociales de Cobain y su creencia en crear un mundo mejor que salió a la luz cuando se publicaron sus diarios después de su muerte en 1994. Quizá esto hace que Nirvana sea aún más relevante en la era actual de #MeToo y #BlackLivesMatter.
Nirvana creó un sonido, y era un sonido salvaje, crudo y gutural, que llegó a definir el género de la música grunge. Combinando el “refinamiento” de la música comercial con la pasión sin filtro del punk, el grunge atraía a una juventud que había sido privada de sus derechos y suprimida.
Muchas bandas de rock ‘más atrevidas’ intentaron recrear el sonido ‘Nirvana’, incluidos Weezer, Oasis y Foo Fighters, el último de los cuales incluso se comprometió lo suficiente como para tocar en volúmenes que literalmente hizo temblar la tierra – pero pocos habían sido verdaderamente innovadores en los temas que abordaba su música.

Nirvana no tuvo miedo de abordar temas difíciles, de derramar su corazón en el escenario y de mantenerse fiel a su música y su moral.

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