Cuatro muchachos de Liverpool, Inglaterra, “The Beatles”, abrieron el camino y estarían al frente de todo. No sólo de otras bandas británicas sino de todo el ámbito musical durante los años 60s y 70s. Canciones como ‘Please, Please Me’, ‘I Wanna Hold Your Hand’ y ‘Hard Days Night’ hicieron que las adolescentes se desmayaran, lloraran y se desmayaran. Desde Elvis Presley, con su gran apariencia, su voz inconfundible y sus caderas giratorias, no había habido tal espectáculo. Los mayores estaban verdaderamente disgustados pero no podían hacer nada. Los Beatles, junto con bandas con nombres como “The Zombies”, “The Animals”, “The Kingsman”, “The Hollies”, “The Kinks” y “Rolling Stones”, habían conquistado Estados Unidos. Luego estaban las canciones, temas como la melódica Hollies, ‘Bus Stop’ y el trepidante y duro rockero, ‘You Really Got Me’, de los Kinks estaban dando a los fans más variedad en la elección de estilos, lo que condujo al creciente atractivo. En 1965, el guitarrista principal de los Rolling Stones, Keith Richards, tocó 15 cuerdas de guitarra inolvidables al comienzo de ‘Can’t Get No,(Satisfaction), y nació un clásico número uno. La canción también fue un ejemplo de cómo las letras sexualmente explícitas se estaban volviendo más explícitas.

Los Rolling Stones fueron un excelente ejemplo de bandas que comenzaban a seguir este patrón. Pero no sólo los británicos. El grupo americano “Doors”, con el cantante Jim Morrison a la cabeza, fue considerado muy atrevido. Y las payasadas de Morrison en el escenario se estaban convirtiendo en algo legendario, lo que provocó que lo arrestaran en algunos shows.

Además de una curva moral, Estados Unidos estaba cambiando rápidamente, “creciendo”, por así decirlo. Por supuesto, esto trajo consigo dolores crecientes en forma de la muerte repentina de un presidente joven y popular, un movimiento de derechos civiles a menudo violento, una guerra impopular y una desconfianza creciente en el gobierno. Bandas como los Beatles y los Hollies, que habían comenzado siendo jóvenes y algo risueños, ahora eran adultos y cantaban sobre los temas del día. El éxito de The Who, ‘My Generation’, habló de la brecha cada vez mayor entre los más jóvenes cadera generación y los viejos nebulosos, que se negaron a abandonar sus viejas costumbres. The Beatles ‘Revolution’ fue un flagrante himno antigubernamental y pacifista. Los invasores británicos estaban empezando a expandirse en diferentes direcciones. Los Beatles con un tema más consciente de sí mismo, del amor a uno mismo y a los demás, mientras que los Rolling Stones se encaminaron hacia un sonido más duro. Ya a finales de los años 60 aparecería un tardío llegado a la invasión con un sonido hard rock y psicodélico que atraería a los presentes y futuros amantes de este sonido hard drive. El grupo era Led Zeppelin. Con el destacado y carismático cantante Robert Plant y el guitarrista Jimmy Page a la cabeza, Led seducía y deleitaba con letras sexys y extravagantes y sí… ese sonido inconfundible que llamaba tu atención y no te soltaba.

Así que, por desgracia, la música que nos llegó del otro lado del charco y el artista que la trajo, nos deleitó, hizo gritar a las chicas, cambió la música e influyó en el presente, el futuro, los músicos y los artistas. Ah, y sí, tal vez nos corrompió un poco en el camino. Llegó, conquistó y nunca se fue. Probablemente nunca lo haga.

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Artistas Psicodélicos De Los 60s y 70s

El sonido fue promovido por The Beatles y adoptado por bandas como The Yardbirds, Cream, Pink Floyd y The Jimi Hendrix Experience. La banda atribuida principalmente a la invención del término Psychedelic Rock es The 13th Floor Elevators, con sede en Austin, TX.
El movimiento alcanzó su punto máximo con el sargento de The Beatles. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones, The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd, todos finalmente culminaron en 1969 en Woodstock, donde tocaron artistas psicodélicos como Jimi Hendrix, Janis Joplin y Santana.

Nacimiento De El Rock Progresivo Y El Heavy Metal

Varios eventos contribuyeron a la disminución de la popularidad de El rock psicodélico. El LSD había sido declarado ilegal, el vínculo entre el asesinato de Sharon Tate por Charles Manson y “Helter Skelter” de The Beatles provocó una “reacción hippie”. Las “víctimas del ácido”, o las personas afectadas negativamente por los alucinógenos y las drogas en general, se convirtieron en carteles para evitar las experiencias psicodélicas: la locura de Syd Barrett, las muertes de Jim Morrison, Jimi Hendrix y Janis Joplin llevaron a una tendencia más cruda de “volver a lo básico” en Rock.
Sin embargo, debido al atractivo del Rock Psicodélico, se formaron nuevos géneros, incluidos el rock progresivo y el heavy metal. Los músicos que crecieron escuchando Psicodelia todavía querían tomar elementos del movimiento e incluían sus aspectos favoritos en sus respectivos sonidos.
A fines de la década de 1970, las bandas principalmente en la escena Post-Punk se esforzaron por revivir la Psicodelia, mezclando las distorsiones, la reverberación y el phaser con los ritmos de baile optimistas del New Wave. Bandas como Siouxsie and the Banshees, Echo and the Bunnymen, The Soft Boys y The Church utilizaron los matices de los años 60s para lograr un efecto completo de los 80s, de ahí a que surgiera la Neo-Psicodelia.
La popularidad de estas bandas se desangró en los 90s, con Shoegaze of My Bloody Valentine y The Jesus of Mary Chain que se remontan a los 80s, el surgimiento de The Brian Jonestown Massacre, The Dandy Warhols y Electric 6 Collective, que incluye a The Apples en Stereo, de Montreal, y Neutral Milk Hotel. El Rock Neo-Psicodélico básicamente se puede resumir como cualquier forma de música que incorpore elementos psicodélicos en sus canciones.
El verdadero rock psicodélico es intocable, habiendo terminado con el declive de la contracultura. Si uno escribiera canciones originales en el estilo rock psicodélico, esas canciones serían Neo-Psicodélicas.

La música psicodélica fue tan poderosa principalmente a través de su promesa de experimentar con un arte elevado, que continúa dominando nuestras tendencias musicales hasta el día de hoy. Y seria seguro apostar que nunca se esfumará por completo.

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Si bien se supone que el mes de Diciembre trae la alegría de las fiestas, la primera parte de diciembre siempre deja a los fanáticos de The Beatles sintiéndose solemnes. Fue el 8 de diciembre que el cofundador de la banda, John Lennon, fue asesinado en Nueva York en 1980.

Lo Intrigante Del Asesino De John Lennon

Cuando los investigadores registraron la habitación del hotel de Mark David Chapman después del asesinato de Lennon, encontraron solo un álbum de grabación. Mientras todos pensaron que sería Imagine o Double Fantasy o uno de los muchos discos famosos de The Beatles, resultó ser un lanzamiento de Todd Rundgren.
A pesar de que tuvo un éxito número cinco con “Hello It’s Me” junto con otros como “I Saw the Light” y “Can We Still Be Friends”, Rundgren era un artista poco probable que fuera seguido por un fan perturbado de The Beatles. Sin embargo, Rundgren ha tenido una carrera bastante notable y única, así como una conexión directa con los Fab Four.

Rundgren Trabajo En El Apple Studio Con The Beatles

Una década antes del asesinato de Lennon, Rundgren trabajó en Gran Bretaña como uno de los primeros productores en el nuevo Apple Studio de The Beatles. Hizo Straight Up de la banda británica Badfinger, que incluyó a George Harrison en el álbum.

Rundgren Trabajó Estrechamente Con Grandes Estrellas Influyentes De USA

El año anterior, Rundgren se había desempeñado como ingeniero de grabación para un grupo estrechamente asociado con el artista más influyente de Estados Unidos, Bob Dylan. En ese papel, Rundgren ayudó a hacer Stage fright uno de los álbumes más perdurables The Band, que contenía dos grandes éxitos en “The Shape I’m In” y la canción principal.
Continuó trabajando como un productor estimado a lo largo de los años, dominando álbumes clásicos en varios géneros diferentes. Rundgren supervisó la producción del álbum debut de los New York Dolls, una controvertida banda de punk rock encabezada por David Johansen.
Entre sus otros proyectos ha estado el Alondra álbum de una banda ternativa XTC, y We’re An American Band por el conjunto de rock Grand Funk. Rundgren también jugó un papel decisivo en el lanzamiento de la carrera de los compañeros de Filadelfia Darryl Hall y John Oates, el dúo más exitoso en la historia de la música rock.

Rundgren También Fue Creador De Videos en MTV

Continuó siendo innovador incluso más allá de la década de los setenta, creando videos artísticos en los primeros días de MTV. De hecho, “Time Heals” de Rundgren, inspirado en Salvador Dalí, se convirtió en el octavo video cuando MTV lanzó en 1981, y se emitió entre “Brass In Pocket” de los Pretenders y “Take It On the Run” de REO Speedwagon.

Pero El Hijo De Rundgren No Siguió El Mismo Rumbo

Con todo ese éxito musical, uno habría asumido que su descendencia también habría seguido carreras en ese campo. Sin embargo, su hijo Rex Rundgren eligió un área completamente diferente para su profesión, una que involucraba bases en lugar de bajos.

Rex disfrutó de una carrera en el béisbol, siendo reclutado por los Boston Red Sox en 1999 y nuevamente en 2001 por los Florida Marlins. El jugador tuvo mucho éxito en las ligas menores, avanzando hasta Triple A antes de dejar el juego.

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El Rock ‘N Roll de los 50’s Toda Una Rebelión

Este nuevo estilo de música cautivó al público joven en Estados Unidos en la década de 1950. Para ellos fue una forma de rebelión y una forma de romper los moldes que sus padres les habían puesto. En 1964, un grupo poco conocido conocido como ‘THE BEATLES’ realizó una gira por Estados Unidos. Se convirtieron, en muy poco tiempo, en la banda de rock más conocida y exitosa de la historia. A lo largo de la década de 1960, la música rock afroamericana se conocía como música “soul”. Recibió su nombre del énfasis que estas melodías ponían en los orígenes del gospel y las palabras sentidas.

A lo largo del tiempo, la música rock se ha convertido en un término que actúa como un paraguas bajo el cual convive una increíble variedad de estilos y sonidos. Tan fuerte ha sido la influencia del rock que los compositores han buscado incorporar elementos del rock and roll en musicales, piezas de coro, música de iglesia y sinfonías. La música rock, como el jazz, el country-western y todos los demás estilos de música, ha tomado los elementos de la música del pasado y los ha combinado de formas nuevas y diferentes para crear una identidad independiente.

Es imposible predecir lo que sucederá en el futuro. Hay compositores de hoy que están escuchando la música del pasado, y muchos compositores de hoy buscan desesperadamente ser los Mozart o Schonberg del futuro. Solo el tiempo dirá qué nos traerá la música, pero ten la seguridad de que la escucharemos alto y claro.

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Con canciones que van desde lo magnífico (‘Mother Nature’s Son’, ‘While My Guitar Gently Weeps’ y ‘Happiness Is A Warm Gun’), cerebral (‘Long Long Long’, ‘Goodnight’, ‘BlackBird’), orientado al pop ( ‘Martha, My Dear’, ‘I Will’), angustiado (‘Yer Blues’, ‘Helter Skelter’), cómico (‘Rocky Racoon’, ‘Piggies’), gloriosamente irónico (‘Glass Onion’, ‘Sexy Sadie ‘,’ Back In The USSR ‘) deliciosamente descartables (‘ Wild Honey Pie ‘,’ Birthday ‘,), inconexas (‘ I’m So Tired ‘,’ Cry Baby Cry ‘) así como algunas, francamente, vergonzosas (‘Savoy Truffle’, ‘Obla Di-Obla Da’, ‘The Continuing Story of Bungalow Bill’, ‘Revolution 1’ y ‘9’), los dos discos llenos de copiosas cantidades de música. Donde ‘Physical Graffiti’, ‘London Calling’ y ‘Exile On Main Street’ demostraron ser el cenit de sus respectivos autores, este fue un álbum que mostró la amplitud, brillantez y defectos de los escritos de Harrison, Lennon y McCartney, con verrugas y todo. Incluso Ringo Starr contribuyó con su primera canción, ¡pero incluso él debe haber sabido que lo estaban complaciendo con ‘Don’t Pass Me By’! (Su siguiente contribución, ‘Octopus’s Garden’, fue una gran mejora).

Si alguna vez hubo un álbum de los Beatles que mereciera una biografía cinematográfica (y sí, soy muy consciente de que hay una película de ‘Let It Be’, esa es otra historia), entonces el noveno disco de The Beatles sería el contendiente obvio. Fue el álbum que sentó las semillas para la ruptura irreconciliable de The Beatles, el interés de John Lennon radica menos en sus tres compañeros de banda, pero un nuevo interés en Yoko Ono, la adhesión de Paul McCartney al sonido perfecto la irritación de George Harrison (McCartney grabó tres de las canciones en su totalidad por él mismo). Incluso Ringo Starr sintió el calor, tomando la audaz decisión de dejar The Beatles por unas semanas (McCartney se hizo cargo de la batería en su ausencia, y lo hace bastante bien, su ‘Dear Prudence’ se llena de imaginación), descontento con el sesiones y preocupado por su destreza con la batería. Sus notables giros en ‘Yer Blues’ y ‘Long Long Long’ deberían haber dejado de lado tales preocupaciones, pero su breve partida resultó profética; dentro de un año, tanto George Harrison (temporalmente) como John Lennon (permanentemente) también se turnaron para dejar la banda.

Y para un álbum titulado ‘The Beatles’ (solo fue apodado ‘The White Album’), muchas de las canciones fueron principalmente el trabajo de uno (a veces dos) miembros. Lennon y McCartney cantaron ‘Julia’ y ‘Blackbird’ solos en sus guitarras acústicas, y se irritaron mutuamente al excluir la participación del otro socio en el aullido de McCartney ‘Why Don’t We Do It In The Road?’ (uno de sus mejores rockeros) y en la execrable ‘Revolution 9’ de Lennon (un collage sin estructura y sin sentido). Con la asociación Lennon-McCartney solo de nombre, ambos escribieron una colección de canciones versátiles y táctiles. La primera parodia de McCartney de Beach Boy ‘Back In The USSR’ rockeó de la misma manera que la cancioncilla de los años veinte ‘Honey Pie’ encantó. ‘Dear Prudence’ de Lennon rebosaba de la melodía que una vez se burló de McCartney por desarrollar, ‘Happiness Is A Warm Gun’ secuenció tres piezas musicales separadas junto con la canción que McCartney se jactaba de ser la mejor del disco (¡y tiene razón!). Solo en ‘Birthday’ sonaron unidos, compartiendo la alegre voz principal como habían rebosado en ‘She Loves You’ y ‘I Want To Hold Your Hand’ solo cuatro años antes.

Harrison, quizás el miembro más cansado de The Beatles y su desencanto con el camino de la meditación (su tema pasivo pero brillante ‘Not Guilty’, que explora su angustia por la incapacidad de los otros tres para apreciar su paso por la India, fue vetado sin contemplaciones por los miembros de Off el disco), también rompió su paz, trayendo a su nuevo mejor amigo Eric Clapton a la incursión para tocar el solo abrasador en ‘Guitar Gently Weeps’, mejorando el juego de los otros miembros en el proceso (el piano y el bajo de McCartney son especialmente buenos en este) . A pesar de la maestría musical ordenada, el poder de la canción radica en su letra, quizás la mejor que Harrison había escrito hasta ese momento. Con el lanzamiento de los CD de The Anthology en los noventa, llegó una demo acústica desnuda que Harrison grabó por sí mismo, y que fue tan poderosa como su arreglo de estudio.

Y es difícil no llorar al escuchar a Starr batir ‘Goodnight’ (una canción que Lennon escribió para su hijo Julian, más tarde la inspiración para la obra de McCartney ‘Hey Jude’), solo en el estudio con solo el piano de George Martin y una orquesta para Acompañarlo. Dulce, y respetuosamente ingenuo, era un álbum más cercano ni a la brillantez sónica de ‘Tomorrow Never Knows’ de Revolver ni a los húmedos esfuerzos de calamar de ‘Run For Your Life’, sino una imagen suave de cuatro hombres cada vez más separados, la más sincera de Starr. vocal en cualquier disco de los Beatles.

Sin embargo, a pesar de estas grietas, rara vez la banda había sonado tan poderosa como lo hicieron en ‘Yer Blues’ y ‘Helter Skelter’, el primero un número de blues agresivo embellecido por el trabajo de guitarra stirling de Harrison (Lennon interpretaría la canción en vivo con Keith Richards y Eric Clapton a cuestas, ¡robando posteriormente el ‘Rock N’ Roll Circus ‘de Mick Jagger!), el último intento de McCartney de superar a The Who por jugar sucio. Enérgica y agresiva (se puede argumentar que ‘Helter Skelter’ es un ejemplo temprano de heavy metal), la canción demostró ser una bestia negra para McCartney cuando Charles Manson la usó como parte de su violenta cruzada. La grabación en sí resultó polémica, historias de Harrison corriendo con un cenicero sobre su cabeza, quizás una leve hipérbole.

Por muy controvertida que fuera ‘Helter Skelter’, fue reforzada por ‘Revolution 9’, la primera colaboración de Lennon con el futuro socio musical Yoko Ono. Un collage de voces, no tenía el poder de ‘Voices Of Old People’ mostrado en ‘Sujetalibros’ de Simon y Garfunkel ni la brillantez de la vasta obra de vanguardia de John Cage. Continuando lentamente durante ocho minutos estúpidos, la canción disgustó al productor George Martin, y comenzó una tendencia de colección irritantemente horrible de álbumes que Lennon y Ono grabarían juntos (su punto más bajo, ‘Sometime In New York City’ es una escucha insoportable, a pesar de su brillantez en el mundo del arte y la política, la música no fue una colaboración que beneficiara a ambos).

Lennon no fue el único Beatle cuya indulgencia le ganó. ‘Obla Di …’ de McCartney fue una “melodía” de letra y dirección estúpidas, una que llevó a la banda a casi la locura mientras grababan y grababan la pista de muchas maneras y estilos diferentes. Ligero hasta el extremo, esta fue una crítica que muchos críticos lanzarían a McCartney durante los años setenta cuando lanzó lo que muchos pensaban que era pop superfluo.

Y quizás esa era la intención. Con casi tantos Ivor Novelloes y Grammies como cenas calientes, quizás el cuarteto necesitaba a los críticos tan poco como sentían que se necesitaban el uno al otro (esto puede haber resultado prematuro). ‘The White Album’ nunca fue una declaración de arte, ni tampoco un espíritu cultural. Pepper detrás de ellos, la banda sabía que tenía la fuerza de voluntad y el margen de maniobra para tocar lo que quisieran y cuando quisieran. Y aunque es una obra maestra defectuosa, The White Album sigue siendo una obra maestra, su colección de su over-play más indulgente, tocada con entusiasmo y hurra.

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